Bio

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Contexte et évolution artistique personnel

C’est en 1981 que vient l’expression de la « nouvelle figuration » et c’est dans cette perspective d’une nouvelle figuration que j’ai évolué et situé ma pensée à mes débuts à la fin des années 80. Sans pouvoir tout autant mettre le bon mot sur ce que je faisais et ressentais à mes débuts. Avec le temps, j’ai été capable d’identifier deux directions distinctes qui ont tracé ma voie artistique sur plusieurs années, soit le mutationnisme et le cartoonnisme. Aujourd’hui, mes créations s’ouvrent vers une nouvelle représentation picturale que j'intitule « Les portraits des espaces intemporels de la pensée » amorcés avec une première collection sous le thème des « Candeurs allégoriques ».

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Context and personal artistic evolution

It’s in 1981 that appear the expression of the “New figuration” and it is in that perspective, this avenue of a new figuration that I have started to elevate my pictorial minding at the end of the 80s. Without been able to put the right words on what I was doing and feeling at my beginning. With times, I’ve been able to identify two distinct directions that have traced my artistic path over the years. There’s the “Mutasionism” and the “Cartoonnism .”  Today my artwork stretch to a new pictorial representation that I call “Portraits of timeless space of our thought,” with a first collection name “The allegorical candour.”

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Le mutationnisme, le début.

Mes œuvres regroupées sous l’imagerie du mutationnisme nous ramènent à notre côté animal bien ancré en nous et que nous dévoilons parfois dans notre évolution et notre parcours, nos vécus. Bien que la majorité des gens qui apprécient ces travaux ont un côté plus gothique dans la vie, ces œuvres s’inscrivent bien dans un univers contemporain qui veut se démarquer des modes.

Je définis ma période de mutationnisme en plusieurs petites périodes d’exploration à mes débuts. Je crois que parfois quand on est plus jeune, on voie la vie comme un long parcours où le sablier s’écoule vraiment lentement. Nos opinions sont souvent reliées à diverses contestations, des revendications, des frustrations et maintes incompréhensions de ce qu’est la vie. Incluant le milieu qui nous entoure et tout l’historique qui ont été tracé et vécu par des millions de gens avant nous et qui nous a permis d’être, d’exister en ce moment, dans le monde que nous connaissons sous la forme actuelle. Après cette mise en situation, je peux donc mieux vous partager pourquoi j’ai regroupé diverses créations qui ont été inspirées et de référence, disons plus lugubre. Certains diraient noir. Côtoyant la vie et la mort et sa cruelle représentation quand elle est habitée de haine par autrui. Les guerres, le désir de vivre, les inégalités, les frustrations, les injustices ont inspiré diverses de mes créations. Comme un cri vers le ciel. Dénonçant les incohérences de notre société. Des mises en situation imposées par d’autres et qui se produisent malgré les multiples grâces et bontés que les humains peuvent déployer afin d’équilibrer le bien au mal. J’ai fait un virage du sombre à la lumière en revenant à un développement des couleurs pur appliqué sans retouches et des gestes bruts qui m’ont mené à ce que je décris par la suite comme ma période de « cartoonnisme ».

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The Mutationism, the beginning.

My artwork grouped over the Mutationism imagery brings us to our animal inner side that’s well embedded in us and that we reveal sometimes in our evolution in life and in some situations. Knowing that most of my clientele interested in those artworks are usually in the Gothic type trend in life, those artworks can easily be found in a very contemporary home that wants to stand out of trends.

I define my mutationism imagery period as some small explorations periods and a specific phase at my beginning. I think that sometimes, when we are younger, we see life as a long trail where the hourglass goes very slowly. Our opinions are often related to diverse contestations, some claims, some frustrations, and some none understand of what life is. Including everything that surrounds us and all the historical heritage that millions of peoples have laid the path for us, giving us the possibility to be, to exist at this actual moment, in the world that we know today in its form. After this introduction, I’ts easier to share why I have grouped some artwork in this relative form of work. Like a scream at the sky. Denouncing the inconsistencies of our society. With those situations impose by others that disturb our life that happens even with the grace and the goodness that human can bring and deploy to stabilize the good over the very bad. I have taken a turn from the darker side to the brighter side by returning to the development of purr colours applied without a retouching and some instinctive gestures that have brought the “cartoonism” expression of mine by that time.

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Le cartoonnisme

J’ai eu une période où je définissais mon style comme étant du « cartoonnisme » après un certain temps de réflexion. Je perçois de plus en plus dans le monde actuel qu’il y a une grande représentation artistique d’œuvres que l’on pourrait interpréter comme du « cartoonnisme » aussi et qui s’inscriraient très bien à cette expression.

C’est comme si l’évolution d’une certaine peinture figurative qui fut imbibée par le monde du cinéma, de la technologie, de la bande dessinée, du pop art, des émojis d’aujourd’hui, et de tout ça en même temps, s’exprimait dans une nouvelle forme de figuration. Ce n’est pas de l’art brut, ni de l’art naïf, ni de la bédé, mais bien un miroir de l’état actuel d’une figuration, du « cartoonniste » en un seul mot pour moi. C’est un retour à un art de la figuration brut, souvent maitrisé, mais devenu une figuration contemporaine qui habite notre vie moderne inconsciemment. Du petit écran innocent, avec les films et les animations pour les enfants, à nos communications éphémères et mobiles, que notre époque de modernité technologique nous renvoie. 

C’est ma première interprétation de ce qu’est le « cartoonnisme » et je tente ici de mettre en mots ce concept, ce ressenti. Concept que je ressens depuis les années 2000. J’imagine que je développerai le concept davantage peut-être dans le temps, quand j’aurai effectivement le temps entre deux créations ou avec l’aide d’un(e) spécialiste en interprétation de l’art. Mais, je crois que c’est plus les spécialistes de demain qui pourront valider ou invalider ma pensée à ce sujet. Mais d’ici là, nous seront mort mon frère, comme le chantait si bien Raymond Lévesque.

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The Cartoonism

I had a period where I usually define my artwork style as Cartoonism after a certain reflexion. I have perceived more and more in the art world this kind of trend, an artistic representation in many artworks that we can interpret as Cartoonism too. And they can fit the expression.

It’s like if the evolution of a specific painting figuration was soaking in the world of cinema, technology, cartoons, pop art, emojis, and all those at the same time defining a new artistic figuration near the cartoon look alike. This is not some “art brut ,” not even naive art, this is not a basic cartoon as we knew it, but a mirror of the actual portrait of a contemporary figuration today, this is the Cartoonism in a single word for me. That’s a return to a basic interpretation of a figurative art, often well mastered, but that had become a contemporary representation of the modern figurative imagery of our unconscious life with our real life. From the big or small screen, with films and animations for kids, to our ephemeral mobile communications, that our technological era return of us to us.

That’s my first interpretation of what is the Cartoonism and I try here to put in words this concept, this feeling. This art concept that I feel since the early 2000. I imagine that I will develop more on the concept in the future if I have the times between two artwork or with the help of an art specialist. But I believe more than the art specialists of tomorrow that they will be in a better position to confirm or unconfirmed my thinking about this art expression and art trends. But until then, we will be dead by then my friend like was singing Raymond Lévesque in is song.

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Les portraits des espaces intemporels de la pensée — 2020 à aujourd’hui.

Série #1 : Les candeurs allégoriques

J’ai évolué encore dans ma façon de créer mes tableaux et depuis un certain temps, j’amorce une nouvelle recherche picturale basée sur l’être et son esprit.

J’arrive aujourd’hui à la définir comme étant « des portraits des espaces intemporels de la pensée ». C’est une représentation figurative des moments où notre esprit permet un vide, où nous sommes dans un état d’entre-deux, ce bref moment où la conscience et l’inconscience se rencontrent. Là où un vide de notre esprit s’opère comme par hasard, l’instant d’une seconde. Cet espace où une réponse est recherchée, mais, que nous ne trouvons pas afin de comprendre ce vide soudain et inconnu qui est arrivé dans notre tête, où nous ne sommes attachés à rien, l’instant d’une fraction de seconde. C’est quelque peu cet instant très court que j’essaie de faire ressortir dans les portraits et les regards de mes personnages. Et dans cet état d’entre-deux de notre esprit, je désire conserver le lien particulier entre le trait de crayon et la peinture, mais sans effacer le trait pour autant. Mes personnages évoluent dans un univers abstrait sans référence à des espaces physiques familiers et communs.

Cette nouvelle figuration est conçue de plusieurs couches de peinture sur des traits de crayon, ce qui me permet de créer un détail particulier sur les personnages et conserver un lien entre l’esquisse et l’évolution de la peinture sur celle-ci. Cette figuration est toujours jumelée de références linéaires et des formes abstraites. Ce qui en ressort inspire un message spirituel intérieur des personnages qui se fait ressentir sur l’ensemble de l’ambiance de l’œuvre qui se dévoile.

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Portraits of timeless space of our thought - 2020 up to today.

#1 series: The allegorical candour.

I have evolved again my way of creating my paintings and I have followed a new approach, a new search for a new figuration base on the “being and its spirit.” 

I’m able to define that approach as “portrait of timeless space of our thought.” It’s a figurative representation of those moments where our mind becomes empty, where we are in a state of in-between, this brief moment where our consciousness and unconsciousness meet. That’ where this emptiness of our mind happens by coincidence, in a fraction of a second. This space where an answer is needed but not find, to help us understand this sudden moment that just happened in our head. This fraction of time where we are not attached to anything. This is this really short time space in mind that I try to recreate in my character’s portraits. And in this in between state of our thought, I want to keep this particular link between the sketch of the pencil and the applied paint, without erasing all the pencil lines to keep a trace of it. Created by layers of paint and drawing lines, it gives me the opportunities to crate specific figuration and to keep a closer feeling between the drawing and the traditional way of painting. My characters are evolving in an abstract universe without any reference to physical space that may be familiar or common to us. This figuration is always tied to a sort of abstraction, made with lines, shapes and colours, but with an inner perspective of leaving an internal spiritual message to each of my figures and in the atmosphere that can be revealed.

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Biographie

Sylvain Paré, alias SPARE, est un artiste montréalais qui crée des tableaux figuratifs urbains colorés depuis la fin des années 80. Il crée des figurations uniques de personnages atypiques. Ceux-ci sont toujours amorcés par une première gestuelle de multiples couleurs qui sera la source au développement et à la découverte picturale qui déterminera l’orientation de l’oeuvre finale. Ces tableaux sont purement développés avec une approche en création libre, sans contrainte ni ligne guide quant au résultat final. Ce qui lui confère l’avantage de créer des oeuvres vraiment exclusives, avec beaucoup de personnalité, qui se démarquent et qui sont loin des créations en duplicata. C’est en voyant les toiles de prêt que l’on ressent la force de la personnalité de chacun de ses personnages.

Enfant, il fut inspiré à devenir un peintre lors d’une diffusion télévisuelle des performances en noir et blanc de Picasso peignant derrière des vitres (lien YouTube). Né à Repentigny, il a grandi dans l’est de Montréal, dans un milieu peu enclin à l’art. Il suit son premier cours de peinture à l’âge de douze ans. Par la suite, il jumèle son cheminement scolaire à ses créations et à la maitrise et l’enseignement du Shaolin Kempo. Jeune adulte, il se lie d’amitié avec Richard Beaulieu, qui devint Captain Suicide lors de l’une de leurs multiples sessions de création commune. Ils partagent ensemble ensuite une brève vie commune en appartement et quelque temps par la suite dans un loft. Espace qu’il partagera durant plusieurs années en lofts collectifs communs avec Jaber Lutfi. Un lieu où il amorce une vie très active dans le milieu artistique marginal montréalais. Graffiteur de nuit et complice des peintures en direct et des expositions collectives avec des acolytes des Foufounes électriques, comme Valium, pour ne nommer que celui-ci. Il initie à partir de ce loft, diverses activités artistiques éclatées de contre culture et des circuits d’expositions hors sentier, jumelant la peinture, la poésie, la danse, la musique et la technologie, pour ne nommer que ceux-ci. Pour finalement tout arrêter, en devenant amer du manque d’ouverture d’esprit de collectivité et d’implication du milieu artistique et des artistes qui préfère plus les cliques, que la collectivité. 

C’est à ce moment qu’il décide de s’isoler des sentiers artistiques et de créer en marge, en restant immergé de la pensée et de la passion de créer que Marcelle Ferron et Armand Vaillancourt lui ont inspirée. Marcelle, qu’il a eu l’occasion de connaitre et d’échanger à quelques reprises, dont quelque discussion dans son salon, et qui fut la marraine du dernier événement qu’il organisa, un encan de tableaux de la relève, au Centre Canadien d’Architecture. Et Armand, avec qui il a partagé quelques moments de vie et rendu hommage, un an avant qu’ils reçoivent le prix Paul-Émile-Borduas, lors de Les Prix du Québec. Événement culturel où il fut invité par Armand, à l’accompagner avec sa conjointe, lors de la remise de son prix.

Depuis, il peint dans son microcosme, loin des rigueurs du marché. Il affranchit aujourd’hui ces personnages, ces acolytes comme il les décrit, permettant aux collectionneurs de s’enrichir de ces créations, pour les yeux et les regards qui veulent prendre le temps de se déposer sur ces tableaux.

Il est un peintre, un créatif, qui a porté différents chapeaux, maitrisant divers aspects de la création afin de jongler avec la vie et poursuivre le travail son art. DA, designer graphique et artiste entrepreneur, il est un créatif passionné avec une expérience multitask acquise à soutenir et développer, de la conception au design, des productions multiples et souvent 360 en communication marketing, pour diverses entreprises, petites et grandes, en entreprises, à la pige très souvent, en solo, en groupe et en équipe. Mais avant tout, il est un peintre, coeur et âme.

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Biography

Short

SPARE, alias Sylvain Paré, is a Montrealer artist who creates colourful urban figurative paintings since the early ’90s. He creates unique atypical character. Is artwork is always started with a primary gesture made of multiple layout of colour application, which will reveal the first character orientation and inspire a direction to follow. All paintings are purely developed in a free state of mind, with no boundaries at start and no string attach on the final aspect of it. This confers him the advantage of creating real exclusive artwork with a strong personality that is far away from any copy paste artwork type. He as evolve and define is earlier style as “Mutationism,” then follow by the “Cartoonism” period style. Today is working mostly on canvas and papers, on a pictorial signature of figures representing the being and its spirit. He is now on the loop for representation.

Long

Sylvain Paré, alias SPARE, is a Montrealer artist who creates colourful urban figurative paintings since the late 80s. He creates unique atypical character. Is artwork is first started with a primary gesture made of a multiple layout colour application, which will reveal the first character orientation and a inspire direction to follow. Those paintings are purely developed in a free state of mind, with no boundaries and no string attach on the final aspect of it. This confers him the advantage of creating real exclusive artwork with a strong personality that is far away from any copy paste artwork type. It’s when you facing one of is painting that you feel the individuality of each character.

Kid, he was inspired and decides to become a painter when he saw on television a performance of Picasso's painting behind a glass (YouTube link). Born in Repentigny, he grows in the east of Montreal, in a surroundings, not inclined for art. He takes is first art painting class at the age of twelve. Then, he mixes is scholarship to its creation and to the mastery and teaching of Shaolin Kempo. Young adult, he had a friendship with Richard Beaulieu, who became Captain Suicide during one of their common co-creative sessions. They shared a breve period living together in an apartment than in a loft. It’s in this common connected lofts space that he shares many years with Jaber Lutfi as neighbours. A place where he starts an artistic and marginal Montreal underground life. Graffiti artists at night and partner of all those « Live paintings » happening and some collective exhibits with sidekick Foufounnes Electrics bodies like Valium, to name only him. He initiates from his loft, many burst artistic activities, mixing paintings, poetry, dance, music, technology, and off-circuit exhibitions and events. He finally stops everything becoming bitter of the lack of openness midship, artistic sector and artists had. Feeling that it was more often a game of a small group each in a corner, instead of a collectively minding that preset individuals. 

It’s at this moment that he decides to isolate himself from the artistic world and to create on his side, fulfill by the feelings and passion for creating that Marcelle Ferron and Armand Vaillancourt shared to him. Marcelle, because he had the chance to meet her and spend a few times with here talking in her living room and as a godmother for his last event, an auction of paintings from the upcoming artists, at the Canadian Architecture Center. And Armand, with whom he shared some life moments and give him a tribute, a year before he received his Paul-Émile-Borduas price from Les Prix du Québec. Event whom Armand has invited him to join him with his wife to receive is recognition.

Since, he paints in his microcosm, far from the art market rigour. He enfranchise is characters today, to let the art collectors enrich themselves with his creations, for the eyes and the glance who wish to lay their sense on his work.

He’s a painter, a creative, who wear different hats, mastering various aspects of the creations, to juggle in life and to carry on with is art. DA, graphic designer artistic entrepreneur, he’s a passionate creative with a multitask experience acquired by contributing, developing, from conception to design, from many productions and often in a 360 solution, in communication and marketing, for small and major companies, direct in it, and more often as a freelancer, as one, as a group or as a team. But first of all, he’s a painter, always been one, from heart to mind.

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Diaporama du studio

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Slides from the studio

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